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利用者:Yuki0831/sandbox

インサイド・ヘッド

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インサイド・ヘッド
Inside Out
監督 ピート・ドクター
脚本 ピート・ドクター
メグ・レフォーヴ
ジョシュ・クーリー
原案 ピート・ドクター
ロニー・デル・カルメン（英語版）
製作 ジョナス・リベラ
製作総指揮 ジョン・ラセター
アンドリュー・スタントン
出演者 エイミー・ポーラー
フィリス・スミス
リチャード・カインド
ビル・ヘイダー
ルイス・ブラック
ミンディ・カリング
ケイトリン・ディアス
ダイアン・レイン
カイル・マクラクラン
音楽 マイケル・ジアッキーノ
主題歌 日本の旗 DREAMS COME TRUE「愛しのライリー」
撮影 パトリック・リン（英語版）
キム・ホワイト
編集 ケビン・ノルティング
製作会社 ピクサー・アニメーション・スタジオ
配給 アメリカ合衆国の旗 ウォルト・ディズニー・スタジオ・モーション・ピクチャーズ
日本の旗 ウォルト・ディズニー・ジャパン
公開 フランスの旗 2015年5月18日（カンヌ国際映画祭）
アメリカ合衆国の旗 2015年6月19日
日本の旗 2015年7月18日
上映時間 95分
製作国 アメリカ合衆国の旗 アメリカ合衆国
言語 英語
製作費 $175,000,000[1]
興行収入 世界の旗$858,848,019[1]
アメリカ合衆国の旗カナダの旗$356,921,711
日本の旗 40億4000万円[2]
前作 モンスターズ・ユニバーシティ（ピクサー・アニメーション・スタジオとして）
次作 アーロと少年（ピクサー・アニメーション・スタジオとして）
インサイド・ヘッド2（『インサイド・ヘッド』シリーズとして）
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『インサイド・ヘッド』（原題：Inside Out）は、2015年のアメリカ合衆国のコンピュータアニメーション3D映画。ピクサー・アニメーション・スタジオ製作。ピート・ドクターが監督を務め、メグ・レフォーヴとジョシュ・クーリーと共に脚本を共同執筆した。声の出演には、エイミー・ポーラー、フィリス・スミス、リチャード・カインド、ビル・ヘイダー、ルイス・ブラック、ミンディ・カリング、ケイトリン・ディアス、ダイアン・レイン、カイル・マクラクランがいる。本作は、家族の引っ越しに適応する少女ライリーの心の内側を舞台に、彼女の思考と行動を管理する5つの擬人化された感情を描いている。

ドクターは、娘の成長に伴う性格の変化を観察したことをきっかけに、2009年10月に本作の構想を練り始めた。このプロジェクトはその後、製作が承認され、ドクターと共同監督のロニー・デル・カルメン（英語版）がストーリーを発展させる一方で、心理学者や神経科学者に相談し、心の中を正確に描写するための努力をした。製作には約1億7,500万ドルの予算で5年半かかり、物語とキャラクターの大幅な変更が映画の製作スケジュールを遅らせた。

本作は2015年5月18日に第68回カンヌ国際映画祭で初上映され、6月19日にアメリカで公開された。映画はその出来栄え、脚本、題材、プロット、声の演技（特にポーラー、スミス、カインド、ヘイダー、カリング、ブラックの演技）で批評家から高い評価を受けた。ナショナル・ボード・オブ・レビューとアメリカン・フィルム・インスティチュートは本作を2015年のトップ10映画の1つに選んだ。映画は全世界で8億5,880万ドルの興行収入を記録し、2015年の興行収入第7位となった。第88回アカデミー賞では2部門にノミネートされ、長編アニメ映画賞を受賞し、その他にも数多くの賞を受けた。哲学雑誌『フィルム・アンド・フィロソフィー（英語版）』は本作を史上最高のアニメ映画の1つとして認めた。続編『インサイド・ヘッド2』は2024年に公開された。

製作

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製作

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Headshot of Pete Docter
Headshot of Ronnie del Carmen
2009年のピート・ドクター（左）とロニー・デル・カルメン（英語版）

本作の製作は、監督のピート・ドクターが娘のエリーが「より静かで控えめ」になっていることに気づき、彼女の内面で何が起こっているのかを考え始めた後、2009年10月に承認された[3][4][5][6]。ドクターは、『ファインディング・ニモ』（2003年）と『カールじいさんの空飛ぶ家』（2009年）でストーリー監修を務めたロニー・デル・カルメン（英語版）を共同監督としてプロジェクトに招待し、デル・カルメンはその役割を引き受けた[7][8]。彼らは自身の個人的な歴史や経験からインスピレーションを求め、正確さを期すために心理学者のポール・エクマンやカリフォルニア大学バークレー校の心理学教授ダッチャー・ケルトナー（英語版）などの心理学者や専門家に相談した[9][10][11]。ライリーの心の風景をデザインする際には、神経科学者に相談し、DNAの鎖や神経細胞の閃光の写真からヒントを得た[3]。ケルトナーとエクマンによれば、本作は感情がどのように思考や社会生活を整理するか、特にカナシミが人々のつながりを促進する役割に焦点を当てている[12]。

初期バージョンでは、いらだち、嫉妬、欲望、憂鬱、絶望、落胆、愛、シャーデンフロイデ（他人の不幸を喜ぶ気持ち）、倦怠感、恥、当惑、希望を含む27の感情が検討されたが、単純化のためにその数は後に削減された。エクマンは怒り、恐れ、悲しみ、嫌悪、軽蔑、驚き、幸福のリストを提供したが、ドクターは驚きを恐れと似ているとして除去し、さらに軽蔑も除去した。幸福は「楽観主義」に改名され、その後「ヨロコビ」になった[10][13][14]。チーフ・クリエイティブ・オフィサーのジョン・ラセターはウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオの再編に集中していたため、本作にほとんど関与しなかった。また、2011年に亡くなったスタジオの共同設立者スティーブ・ジョブズが関与しなかった初のピクサー映画となった[4]。本作の製作プロセスには5年半かかり[15][16]、予算は約1億7,500万ドルだった[17]。1992年からピクサーのプロダクションデザイナーを務めるラルフ・エグルストン（英語版）は、本作が自分がこれまで手がけた中で最も難しく、最も長い映画であったと述べている[16]。その結果、初監督の監督は本作に関わる資格がないとみなされた[18]。

執筆

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2010年、ドクターと製作チームは、本作の舞台設定、ルール、リールなどについて話し合うために会議を開いた。その後、ドクターは12か月以内に映画のプロットを製作し、キャラクターをデザインするために少人数のチームを編成した[3][19][20]。彼らの主な課題は、この多層的な技法を扱うことだった[21]。デル・カルメンは自分の育った環境が大きな影響を与えたと述べ、ミネソタで人気のあるスポーツであることから、ライリーを熱心なアイスホッケー選手にするというアイデアを思いついた[22][23]。映画の脚本は野心的で独創的と評価されたが、脚本家のマイケル・アーントは2011年初頭にプロジェクトを離れるまで1年間関わり[24]、追加の物語素材を提供した[25]。ドクターと共に、ジョシュ・クーリーとメグ・レフォーヴが脚本の書き直しでクレジットされた[26]。

多様な意見を促進するために、ストーリーチームの半分は、アニメーション業界が主に男性で構成されていた時代に女性が務めた。本作は少女に焦点を当てているものの、調査では11歳から17歳の女性が若い少女よりも表情や感情に敏感であることがわかった[23]。ドクターは、ライリーが主人公ではなく、映画の舞台そのものとすることを決めた[3]。ライリーが少女であるため、主な感情を女性にすることを考えた。他の感情キャラクターには男性と女性の役割が割り当てられた[27]。ドクターは、ライリーが深い抑うつ状態に陥るという初期のアイデアを廃棄した[4]。本作のストーリーボードの作成には2 - 3年かかり、ピクサーの「ブレインズトラスト」（全ての映画の製作を監督する少人数のクリエイティブリーダーグループ）向けに7 - 8回の上映が含まれていた。彼らは観客が飽きないように、また物語とユーモアを保つために、3年以上かけて夕食のシーンを改良した[28]。

映画製作者たちはキャラクターの個性、才能、対比を表現する責任を負っていた[29][23]。本作のデザインチームは、ドクターが「ヨロコビ」の不満に懸念を示した後、ライリーの個性の異なる方向性をさらに調査した。デザイナーのアルバート・ロザノは、「ヨロコビ」をボーイッシュでいたずらっぽくしたいと考えた[30]。エイミー・ポーラーは、困難に直面した後、喜びの広い範囲の幸福を表現するため、チームの脚本作成を支援した。ルフォーブの助けを借りて、チームは「ヨロコビ」を脆弱で無形のキャラクターとして構想し、彼女は「断固として前向き」とした[19][31]。当初から、「ヨロコビ」が過度に若さを操作する可能性があり、それがライリーの「社会的嵐」を引き起こすというアイデアが続いていた[32]。

ある場面では、ライリーが感謝祭のページェントで七面鳥の主役を演じたがるというプロットがあったが、ドクターはそのアイデアがあまりにも馴染みがないと考え、何か別のものを探した。いくつかの草案が生まれ、例えば「アイデアの畑」に落ちた後でアイデアを培うなどの展開があった[33]。別の案では、ビンボンがライリーの幼少期から追放された大勢のキャラクターを募集するというものだった。リチャード・カインドは後に、ビンボンを「幼少期の消えゆく存在」として定義した[34]。2011年10月、ダイアン・ディズニー・ミラーがドクターに本作の気を散らす要素を減らし、ストーリーを優先するよう説得した[19]。ドクターは、個性の島という概念が心の世界の地理とストーリーを統合できると判断した[33]。

2012年、本作は何度かの上映と提案を経て製作に入り[3]、3か月後に評価された。編集者のケビン・ノルティングによると、製作開始前に7つのバージョンが作成された[28]。映画のトーンを調整すること、たとえば「ヨロコビ」の陽気な性格に対する観客の反応と、ライリーに対する「ヨロコビ」が引き起こす混乱についての否定的な感情をどう扱うかは難しいものだった。プロデューサーのジョナス・リヴェラは、これらの「ヨロコビ」の性質を発展させる上でポーラーの貢献を認めた[32]。エグルストンは映画の舞台をライリーの脳ではなく心の中に設定することを提案し、いくつかの脳に関するシーンが削除された[35][29]。

ピクサーの映画製作者たちは2012年7月に映画の評価上映を行った。本作の初期バージョンは、「ヨロコビ」と「ビビリ」が一緒に迷子になるという内容に焦点を当てていた。ドクターはこれが問題であると考え、「ヨロコビ」が「ビビリ」から学び、彼女のキャラクターを発展させるというアイデアを検討したが、最終的に映画の中で感情と関係を統合することにした。代わりに、「カナシミ」が「ビビリ」に取って代わり、「はるかに魅力的な」役割を果たすことになった[29][36]。ドクターによる「ヨロコビ」と「カナシミ」の対立には映画の感情的な結末が欠けていた。この問題に対処するために、ライリーが友人と別れるシーンを変更した。友情と個性の島は、映画の中で「ヨロコビ」と「カナシミ」の冒険となり、その連続性を保った[37]。

ストーリーボードのプロセスでは、27のシーケンスと178,128のアウトラインが作成され[19]、最終的に127,781が完成した[29]。クーリーによると、本作のプロットは10回書き直され、ライリーの心の中のシーンも10回以上作成された[37]。最初のストーリーボードはライリーのキャラクターアークの重要性を感情よりも際立たせていたが、リベラは映画のバランスを「内側が約75％、外側が25％」と見ていた[21]。2013年初頭、映画製作者たちは7 - 8の異なるオープニングを製作した[19]。本作の最初の完成シーンは2014年6月のアヌシー国際アニメーション映画祭で試写会が行われた[38]。ブレインズトラストは最終的に映画とそのストーリーを確定した。映画の製作は2015年5月に3年間の期間を経て終了した[13]。

キャスティング

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本作の主要キャラクターのキャスティングは2013年8月に行われた[39]。録音はその年に始まり、2014年に終了した[3]。キャスティングは、声を担当するキャラクターと同じ個性を持つ俳優を重視した[40]。本作のキャストには『サタデー・ナイト・ライブ』（SNL）のベテラン俳優が多く含まれていたため、映画の製作チームはその番組のライブテレビのシークエンスを研究するために1週間を費やした[41]。

フィリス・スミスは感情キャラクターの中で最初にキャスティングされ、エイミー・ポーラーは最後だった。スミスとポーラーはそれぞれ3回のボイス・レコーディングを行った[42][43]。スミスは当初、アニメ映画で声優を務めることに不安を感じていた[44]。スミスがカリフォルニア州エメリービルにあるピクサー本社への訪問を依頼された際、リベラは映画『バッド・ティーチャー』（2011年）のランチシーンを見た後、彼女をキャスティングした。彼はドクターに「我々のカナシミを見つけたと思う」と伝えた[43]。スミスは最初のボイス・レコーディングの後、自分の自然な声に気づいた[44]。

リチャード・カインドはドクターにとってビンボン役の完璧な選択だった[45]。カインドは以前のピクサー作品で見せたのと同じ「ある種の純真さ」を伝えようとした[46]。ドクターはビンボンを「ヨロコビ」のキャラクター描写に貢献したと説明した[45]。カインドはビンボンの性格と外見をオリヴァー・ハーディ、ジミー・デュランテ、ジョン・キャンディに基づいてモデル化し、特にキャンディの映画『大災難P.T.A.』（1987年）の演技を参考にした[44]。

ビル・ヘイダーと製作陣はニューヨーク市のSNLの撮影現場を訪れ、彼が「ビビリ」役に即キャスティングされることが想定されたが、滞在が終了するまでその決定は秘密にされていた。ヘイダーはポーラーに連絡し、自分の役が秘密であることを伝え、本作に関与することを確認した。準備として、ヘイダーはレコーディング・セッションで「ほぼすべての感情」と叫び声の練習を行った。「ビビリ」は俳優ドン・ノッツとローワン・アトキンソンのキャラクターであるミスター・ビーンの両方をモデルにしており、どちらも大きな目を持っている。ドクターは「ビビリ」を「洗練された雰囲気を醸し出しながら、瞬時に手のひらを返すような男」と表現した[27][47]。

ミンディ・カリングは、ムカムカ役にキャスティングされる前に4時間以内に6回のレコーディング・セッションに参加した。彼女はストーリーが「本当に美しい」と感じたと述べている[10][48]。ドクターはルイス・ブラックがイカリを体現していると語り、彼の声を聞いた後、映画製作者たちは彼をキャスティングした[14]。映画製作者たちは、ライリー役としてケイトリン・ディアスをキャスティングし、彼女の演技を「感動的」と表現し、その「胸が締め付けられるような正直さ」に基づいて脚本を脚色させた。リベラによれば、ディアスのキャスティングは「完璧」だったとしている[44]。

デザイン

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エグルストンは、デザインブリーフ（英語版）を通じて心の世界と現実の世界のアウトラインを描く任務を担った。心の世界は柔らかい表面、彩度の高い色の使用、コントラストの強い光、そして半透明な特性を取り入れており、一方、現実の世界はこれらとは逆の属性を使用している[16]。これらの世界のデザインは、ピクサーの映画『カールじいさんの空飛ぶ家』や『トイ・ストーリー3』（2010年）[13]、ロマンチックドラマ『ワン・フロム・ザ・ハート』（1982年）、デイヴィッド・ホックニーの演劇作品[49]、そして1950年代のブロードウェイミュージカルを意識したものに似ている[4]。監修アニメーター（英語版）のビクター・ナヴォーンは、デザインの要素を強化し、自由形式の表面モデリングでそれを強調した[13][50]。司令部のデザインは約300種類製作された[3]。心の内部を描写する方法を解読するために、映画製作者たちは「電気化学」という言葉に集中し、電気を使った選択肢を検討した[51]。

キャラクターデザインは、最終的に確定される前にいくつかの改訂が行われた。最初にシンプルな形状がデザインされ、これには「イカリ」はレンガ、「ヨロコビ」は星、「カナシミ」は涙、「ビビリ」は神経として描かれた。「カナシミ」の外見は最終的にデビー・ダウナー（英語版）のように変更された。ロザノは「カナシミ」をパジャマで着飾り、彼女の憂鬱を強調しようと考えた。「ムカムカ」と「イカリ」のアプローチは、それぞれ『パークス・アンド・レクリエーション』のエイプリル・ラドゲート（英語版）と『ヘラクレス』（1997年）のハデスに基づいていた。「ティンカーベル」との類似を避けるために、「ヨロコビ」には緑色のドレスが与えられ、髪の色は青に変更された。ピクサーが観客にライリーの潜在的なデザインを提示した後、ロザノはキャラクターがエリーのように見えると思った[47][52]。

アニメーション

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本作のアニメーションには1年半を要した。シャウン・クラウスとビクター・ナヴォーンを含む約48人のアニメーターと、ジェイミー・ロー監督、そして350人のアーティスト（そのうち35人は撮影監督のキム・ホワイトが率いる照明担当、10人はレイアウト担当）と技術者が製作に関わった。2つのアニメーションチームが編成され、一つは抽象的なシーケンス用、もう一つはキャラクターグループの群衆シミュレーションを担当した[13][15]。彼らは人間の体のすべての部分を特定するための新しい技術を使用した[53]。

ドクターは、キャラクターの感情を取り入れることで、デザインと動きのスタイルの両方で「カリカチュア（誇張）」のレベルを引き上げることができると考えた。この目的のために、彼らはテックス・アヴェリーやチャック・ジョーンズのアニメーションスタイルを模倣した[33]。ドクターはクラウスとナヴォーンに、各キャラクターのグラフィックカリカチュアを押し進めるよう指示し、各RenderManモデルの硬直した動きに固執しないようにした。これには、アーティストが日々の製作中にWacom Cintiqを使ってキャラクターを描き直す必要があった[54]。キャラクターの形が最終決定した後、それらはデスクトップコンピュータを使用して3Dモデルに提案した。映画製作者たちは、ドクターが照明とレンダリングに最終的な承認を与えるまで、日々の製作内容を研究した[3]。

本作では、アニメーターがシルエット上で迅速に彫刻を行い、キャラクターの外見を変え、「微調整」布シミュレーションを評価するための高度なスケッチツールを増強して使用した[55]。シミュレーション部門を通じて、キャラクターの髪と衣服の動きが追加された[29]。ピクサーの共同創設者エドウィン・キャットマルは、キャラクターの属性が人型の形態、鮮やかな色、奇妙な形を持ちつつも、それが力場を持つために限定的であると感じた[56]。最終的に、本作のすべての要素が1つの画像に統合され、1,600ショットにわたるアニメーションになった。3秒の映像ごとに製作に3週間かかり、レンダリングには33時間かかった[29][3][56]。

両方のアニメーションチームは、「完全に抽象的な存在」から「アニメーション可能なキャラクター」へ「ヨロコビ」を移動させた[57]。『ヨロコビ』のライティングは、エグルストンの製作デザインによる初期のインスピレーションだった。エグルストンのパステル図は、『ヨロコビ』のライティングを強化し、彼女をピクサーの重要なキャラクターにした[58]。『ヨロコビ』は固体ではなく、風車、シャンパン、花火からその泡立つようなエフェクトが生まれた。ロザノは『ヨロコビ』がオードリー・ヘプバーンのように見えると考えた[3]。『ヨロコビ』を明るくするために、RenderManチームは幾何学的光学を製作し[59]、ドクターは「精霊のようで金色」の修正でデザインすることを提案した[27]。これらのエフェクトは、『ヨロコビ』の典型的なタイプにより確実に機能した。750以上のショットが芸術的なパフォーマンスとライティング撮影を使用して作られた[57]。映画製作者たちは『ヨロコビ』のオーラについて8か月間取り組んだが、時間と予算の制約に直面した。ラセターはこれを各感情に適用するよう求めた。エグルストンはこの技術について、「主要な技術スタッフがただ地面に叩きつけられ、予算が屋根を突き破って落ちるのが聞こえるようだった」と述べた[60]。ドクターと6人のデザイナーチームは『ヨロコビ』の外見を最終決定するのに約18か月を費やした[30]。『喜び』の制作には3年がかかりました[27]。

シネマトグラフィー

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撮影監督のパトリック・リン（英語版）は、本作の撮影技術を強調することに重点を置いた。彼は、頭の世界と現実の世界を描写するための独自のカメラスタイルで視覚言語を作り出し、映画のストーリーとライリーのキャラクターの間に繋がりを持たせた。リンは、これらの世界が互いに対立することができると述べた[61][62]。の世界のレイアウトと撮影技術には、『カサブランカ』（1942年）の影響を受けた。ピクサーは、ハリウッドの黄金時代の映画をセットの構造のために研究した。彼らは、マスタームービングショットを実行し、それらを1つのシーンに結合した。その中で最も長いものは48秒で、1,200フレームで構成されていた[58]。

現実の世界を撮影する際には、レンズの歪みや焦点が合っていないショットに問題があったが、監督の変更がカメラワークの複雑さに対抗した。カメラオペレーターは、両方の世界のために、Arri Ultra PrimeとZeiss Cooke S4レンズを使用し、異なるカメラの動きと予め設定された経路を取った。心の世界にはドリー、トラック、クレーン、ブームが使用され、現実の世界にはズームレンズ付きの手持ちカメラとステディカムマウントが使用された。リンのチームは、これらのカメラを3つの幕を通して使用する際、ライリーのアークを監督した。最初の幕ではステディカムに取り付けられ、2つ目の幕では手持ちで撮影された[16][63]。

本作の特定の側面は、「スケールの進行」（主要キャラクターの視点に基づいた世界の大きさ）によってキャラクター化を支えられ、ライリーと「ヨロコビ」のアーク、物語のステージング、テーマのフレーミングもサポートされた[63]。スタッフによって作られたカメラにはセンサーが取り付けられており、これらのカメラは「荒っぽく」、「物理的」だったが、ピクサーの短編映画『ブルー・アンブレラ』（2013年）で使用された後、本作で改良された。人間と機械のシステムが、各人物が本作の環境内で動き回るように作られ、それぞれのパフォーマンスが映画のシーンと相互作用するように割り当てられた。バーチャルなシーンは、アニメーション化される前にレイアウトを使用してブロックされた[50]。

音楽とサウンドデザイン

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詳細は「『インサイド・ヘッド』オリジナル・サウンドトラック（英語版）」を参照
2017年の作曲家マイケル・ジアッチーノ

マイケル・ジアッチーノが本作の音楽を作曲した[64]。彼は2015年1月に作曲を開始し[65]、5月に完了した[3]。音楽セッションの中で、ドクターはそのスコアが「ほろ苦く」そして「ノスタルジック」であると感じた[19]。ジアッチーノは『カールじいさんの空飛ぶ家』のスコアよりも、より感情的に大きなものを本作のために作りたいと考えていた[65]。プロデューサーたちはまずジアッチーノと会い、映画のコンセプトを話し合い、彼に試写を行った。これに応じて、ジアッチーノは映画とは関係のない8分間の音楽を、自分の感情に基づいて作曲した。リベラは、ジアッチーノとドクターが共にミュージシャンであったため、物語とキャラクターの観点から映画について話し合ったと述べている[33]。彼の創造的な好みに従って、サウンドデザイナーのレン・クライスは進歩的なサウンドスケープを作り上げた[66]。オーディオミキシングは、映画の冒頭シーンの「密度の高い」音を調和させるために行われた。「ヨロコビ」の登場シーンでは、単一の音が使用されている[67]。

公開

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マーケティング

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本作のマーケティングは、ディズニーとピクサーの幹部たちが映画に対して熱意を持っていたにもかかわらず、難しいと考えられていた[36]。『ワシントン・ポスト』に寄稿したクリステン・ペイジ・カービーはこれについて「完全に失敗している」と表現した[68]。ディズニーのマーケティング戦略には、積極的なソーシャルメディアキャンペーン[69]、世界的な宣伝ツアー[70]、そして5枚のカラフルなキャラクターポスターの製作が含まれていた[71]。プロデューサーたちがビンボンを秘密にしておくことを決めたため、リチャード・カインドは本作のマーケティングには参加しなかった[46]。その結果、感情のキャラクターたちに焦点を当てるため、映画の宣伝から除外された。ドクターはカインドの決定を「賢明だ」と考え、ビンボンが「観客にとっての驚き」であることを認識していた[72][73]。公開に向けて、映画は子供向けにテスト上映された[31]。これは幹部たちが若い視聴者への訴求力を心配していたからである。『ディズニー インフィニティ3.0』には、5つの感情キャラクター全員がプレイ可能キャラクターとして登場するプラットフォーマータイプの本作のプレイセットが追加された[74][75]。また、『インサイド・ヘッド メモリーボール』という、モバイル向けのパズルボブル風のゲームがリリースされた[76][77]。

D23 (ディズニー)

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D23
業種 エンターテインメント
設立 2009年3月10日 (15年前) (2009-03-10)
創業者 ボブ・アイガー
本社 サウス・ブエナ・ビスタ・ストリート500、
カリフォルニア州バーバンク
、
アメリカ合衆国
主要人物
製品 雑誌『ディズニー・トゥエンティースリー』
所有者 ウォルト・ディズニー・カンパニー
ウェブサイト https://d23.com/
脚注 / 出典
[78]

D23：ディズニー公式ファンクラブ（D23: The Official Disney Fan Club、ディズニーD23、または単にD23としても知られる）は、ウォルト・ディズニー・カンパニーの公式ファンクラブである[79]。2009年に設立された本組織は、主に隔年で開催される博覧会イベント「D23：アルティメット・ディズニーファン・イベント」（以前はD23 Expoとして知られていた）で知られている。D23という名前は、「D」がディズニーを指し、「23」はウォルト・ディズニーが会社を設立した1923年を意味している[80]。

会員資格には無料とゴールドの2つのレベルがある[81]。会員特典には、季刊誌「ディズニー・トゥエンティースリー」、年次ギフト、イベント、限定商品オファー、D23 Expoファンコンベンションへの割引や先行アクセスが含まれる[82]。

歴史

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ボブ・アイガーは2009年3月10日に同社の年次総会でD23を発表した[80][82][83]。D23は2009年に「サンディエゴ・コミコン」にブースを出展し、同年9月10日から13日にかけて初のD23 Expoを開催した[80]。2010年3月には、D23はエキスポを年次ではなく隔年で開催し、エキスポのない年には「デスティネーションD」イベントを開催することを発表した[79]。2013年2月には、ウォルト・ディズニー・カンパニー・ジャパンが初の「D23 Expo Japan」を2013年10月12日から14日に開催すると発表した[84]。

2013年4月、D23とターナー・クラシック・ムービーズ・フェスティバルが協力し、『白雪姫』の75周年上映を行い、カーク・ダグラスが、オリジナルのカメラネガから復元された『海底二万哩』の上映を主催した[85]。

スティーブン・クラークは2013年9月末にD23の責任者を辞任した。2014年1月には、アダム・サンダーソンがシニア・バイス・プレジデント、コーポレート・コミュニケーションズとしてディズニー・アーカイブを監督する立場に就任した[81][86]。2014年11月21日の週末イベント「デスティネーションD」で、サンダーソンはシルバー会員レベルの廃止を示唆した[81]。

2018年10月には、ディズニー・クルーズ・ラインが「ディズニー・アット・シー・ウィズ・D23」という30分間のエンターテインメントニュース番組の放映を開始した。この番組は、D23の協力を得て、ディズニーの多くの子会社に関するニュースを取り上げており、最初はクルーズ船「ディズニー・ワンダー」で放映された[87]。

イベント

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イベントには以下が含まれる。

  • D23 Expo（2009年 - 現在）：隔年で開催される博覧会イベント[79]。
  • 先行上映会
  • ディズニースタジオ敷地内での過去のアニメ映画の上映会とパネルディスカッション。
  • ランチ・ウィズ・ア・レジェンド（2014年 - 現在）
  • D23デー：ウォルト・ディズニー・スタジオとアーカイブメンバーのツアーが年に3回開催される。
  • メンバーVIPスタジオツアー（2015年）：ゴールド会員向けで、平日に行われ、ディズニー・レジェンドとのランチとユニークなVIPギフトが含まれる。
  • ライト・アップ・ザ・シーズン（2015年）：元々は社員向けの毎年恒例イベントで、ホリデーシーズンの始まりを祝うものだったが、D23会員向けには、スタジオ敷地内でキャロル、ココア、ツリー点灯式を行う。
  • ビハインド・ザ・シーン・エクスペリエンス（2015年 - 現在）
  • メンバー・ミキサー・アット・ディズニーストア（2016年2回目開催）：会員限定の朝のショッピング、割引、ゲーム、グッズなどが含まれる。
  • ディズニー・ファニバーサリー・セレブレーション[89]

D23 Expo

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エキスポは隔年で開催され[79]、以下の内容が特徴である。

  • プロジェクトの独占初公開
  • 今後のアトラクションの紹介
  • セレブリティの出演
  • 限定商品が並ぶポップアップストア
  • ディズニーの歴史に関するプレゼンテーション
  • 「マウスクレード」ファンのコスチュームコンテスト
  • 記念品のファントレーディングのためのエンポリアム
  • ウォルト・ディズニー・アーカイブスのキュレーションによる展示[90]
  • ファンアートコンテスト（2013年 - 現在）[84]

『ニューヨーク・タイムズ』はこのエキスポを「会社の製品、神話作り、キャラクターがいかに深く文化の織物に織り込まれているかを示すもので、その様子は畏敬の念を抱かせると同時に恐ろしいものでもある」と評している[91]。

2009年

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D23：アルティメット・ディズニーファン・エクスペリエンス

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最初のD23 Expoは、2009年9月10日から13日にかけて、カリフォルニア州アナハイムのアナハイム・コンベンション・センター（英語版）で開催された[92]。このエキスポには、ウォルト・ディズニー・イマジニアリングのパビリオンがあり、将来のアトラクションのモデルやテストが展示された。また、企業の社会的責任に関する展示では、フォトオポチュニティ（写真撮影の機会）や海外の軍隊やホームレスシェルター向けのプロジェクトが紹介された。さらに、ディズニー・コンシュマー・プロダクツの展示では、今後数年間にわたって販売されるディズニーの商品が紹介され、「ディズニー・ドリーム・ストア」、ウォルト・ディズニー・アーカイブスからの衣装や小道具、全国から集まった人々が記念品を展示・販売する「コレクターズ・フォーラム」があった。

イベントは、D23アリーナ、ステージ23、ストーリーテラーズ・シアター、ウォルト・ディズニー・スタジオ・シアターで行われた。このエキスポで発表された将来のプロジェクトには、マジック・キングダムのファンタジーランドの拡張、ディズニーランドとディズニー・ハリウッド・スタジオの「スター・ツアーズ」の大規模な改装[93]、『ビートルズのイエロー・サブマリン』を基にした映画、『パイレーツ・オブ・カリビアン／生命の泉』として発表されたパイレーツ・オブ・カリビアンシリーズ（英語版）の第4作目のタイトル（2011年夏公開予定）、新しい『マペット』の映画[94]、『ウェイン&ラニー クリスマスを守れ!』『塔の上のラプンツェル』『美女と野獣』の3D版、バイラルマペットビデオのセット、ギレルモ・デル・トロとの映画シリーズなどが含まれていた。

セレブリティの出演者には、ジョン・トラボルタ、ニコラス・ケイジ、パトリシア・ヒートン、ケルシー・グラマー、ティム・バートン、セレーナ・ゴメス、ダニー・オズモンド、トム・バーゲロン（英語版）、キム・ジョンソン、ベティ・ホワイト、ロビン・ウィリアムズ、ジョセフ・ファインズ、ジョニー・デップ（キャプテン・ジャック・スパロウとして）がおり、マイリー・サイラス[95]、オナー・ソサエティ（英語版）、『マペット』のライブパフォーマンスも行われた。

2010年

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デスティネーションD：ディズニーランド'55

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2010年の年次株主総会で発表された通り、D23 Expoは2010年には開催されず、2011年8月19日から21日にかけてアナハイム・コンベンション・センターで開催された。一方で、「デスティネーションD」と呼ばれる新しいイベントが、2010年9月24日から25日にかけてカリフォルニア州アナハイムのディズニーランドホテルのボールルームで開催された。「デスティネーションD」は毎年新しいテーマを持つイベントで、2010年のイベントのテーマは「ディズニーランド '55」だった。これらのイベントは毎年交互に開催される可能性が高いと考えられている[96]。

2011年

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デスティネーションD：ウォルト・ディズニー・ワールド40周年

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「デスティネーションD」イベントは、ウォルト・ディズニー・ワールド・リゾートの40周年を記念して、2011年5月14日から15日にかけてディズニーのコンテンポラリー・リゾートで開催された。

D23：アルティメット・ディズニーファン・イベント

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D23 Expo 2011のコレクターズ・フォーラムの隠れミッキーブース

D23 Expoは2回目となる開催が2011年8月19日から21日にかけて、カリフォルニア州アナハイムのアナハイム・コンベンション・センター（英語版）で行われた[97]。このエキスポは2009年の最初のD23 Expoとよく似ていたが、ディズニー・チャンネル、ラジオ・ディズニー、コレクターズ・フォーラム、ウォルト・ディズニー・スタジオ、ディズニー・リビング、ディズニーの企業市民活動、ディズニー・インタラクティブ・メディア・グループのパビリオンが追加された。ウォルト・ディズニー・アーカイブスの展示も、最初のD23 Expo以来、12,000平方フィート（1,100平方メートル）に拡大された[98]。展示ホールには、2009年のD23 Expoのウォルト・ディズニー・イマジニアリング・パビリオンに似た新しいパビリオン、ウォルト・ディズニー・パークス＆リゾーツの「プロジェクトの回転木馬」があり、世界中のディズニーパークで今後展開されるプロジェクトのハイライトを紹介した[99]。

ショッピング機会としては、初回のエキスポから続く「D23 Expoドリームストア」があった。その他、D23 Expo限定の店舗として、カリフォルニア州グレンデールのウォルト・ディズニー・イマジニアリング本社からの「ミッキーズ・オブ・グレンデール」、カリフォルニア州バーバンクのウォルト・ディズニー・アーカイブスからの「ウォルト・ディズニー・アーカイブス・トレジャー・トローブ」も登場した。他には、ディズニー・リビング・パビリオン内の「Aスモールワールド・ビレッジ」と「ディズニーストア」もあった。もう1つの人気エリアは「コレクターズ・フォーラム」で、ここではゲストがディズニーのコレクティブルを購入したり、「ディズニーアナ・ファンクラブ」、マウス・プラネット、マイス・チャット、隠れミッキーの著者ナンシー・テンプル・ロドリゲ、アーティストのブライアン・ルード（彼のユニークな『ロケッティア』作品）と交流することができた[100][101][102][103][104]。

イベントは、D23アリーナ、ステージ23、ステージ28、タレント・ラウンドアップエリアの「レッドカーペット」、ディズニー・リビング・パビリオンのストーリーテラーズ・ステージ、ディズニー・チャンネル / ラジオ・ディズニーステージで開催された。ディズニーチャンネルのステージでは、ココ・ジョーンズ、チャイナ・アン・マクレーンのパフォーマンス、ラジオ・ディズニーの「N.B.T.（ネクスト・ビッグ・シング）（英語版）」の初公開、そしてレオ・ハワードの空手演武が行われた。ゲストは『グッドラック・チャーリー』『ジェイクとネバーランドのかいぞくたち』『レモネード・マウス』『めっちゃ ソー・ランダム』『フィニアスとファーブ』『とび蹴りアチョ〜ズ』『スイチュー! フレンズ』『天才学級アント・ファーム』『おたすけマニー』『きんきゅうしゅつどう隊 OSO』『KING兄弟』『シェキラ!』のキャストと出会い、交流する機会もあった。

ステージ23では、『アベンジャーズ』『ザ・マペッツ』『メリダとおそろしの森』『モンスターズ・ユニバーシティ』『ワンス・アポン・ア・タイム』『プレップ&ランディング：ノーティ vs. ナイス（英語版）』など、ウォルト・ディズニー・スタジオとABCスタジオのプロジェクトに関する先行公開が行われ、ピクサーの25周年記念も祝われた[105][106]。ステージ28では、ディズニー・クルーズ・ライン、「カーズランド」「ブエナビスタ・ストリート」「スター・ツアーズ:ザ・アドベンチャーズ・コンティニュー」「リトル・マーメイド:アリエルのアンダーシー・アドベンチャー」「パークの声」、ディズニーランドとウォルト・ディズニー・ワールドのビンテージ写真とビデオに関するウォルト・ディズニー・イマジニアリングのパネルディスカッションが行われた[105][107][108]。

UDTT（アルティメット・ディズニー・ファン・トリビア・トーナメント）の最初のラウンドは、D23 Expoの前日である2011年8月18日に開催され、数千人から100人、そして20人に絞り込まれた。このラウンドは、ダニエル・ローバック（『LOST』や『ウェイバリー通りのウィザードたち』にゲスト出演）が司会を務め、20人から最終的に3人に絞り込んだ。2日間にわたるトリビアの質問の末、ジョン・クロウスキーが初代「アルティメット・ディズニー・ファン・トリビア・トーナメント」の優勝者に選ばれた。彼の名前は、ウォルト・ディズニー・アーカイブスに保存されるルートヴィヒ・フォン・ドレイクのトロフィーに刻まれた。クロウスキーはまた、2012年に一般公開されるディズニー・クルーズ・ラインの「ディズニー・ファンタジー」号のプレビュークルーズも獲得した[109]。

D23アリーナでは、D23 Expoでしか見られない多くの重要なイベントが開催された。これは、ディズニー・レジェンド授賞式がD23 Expoでゲストの前で行われる2回目の機会であり、元々はカリフォルニア州バーバンクのウォルト・ディズニー・スタジオで行われていた。エキスポでは、ウォルト・ディズニー・カンパニーに貢献した12人が表彰された。この中には、ジョディ・ベンソン、バートン・ボイド、ジム・ヘンソン、リンダ・ラーキン（英語版）、ペイジ・オハラ、レジス・フィルビン、アニカ・ノニ・ローズ、レア・サロンガ、レイモンド・L・ワトソン、ガイ・ウィリアムズ、ジャック＆ボニータ・レイザーが含まれていた[110]。

2012年

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デスティネーションD：ディズニー・アニメーションの75年

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「デスティネーションD」イベントは、ディズニーの長編アニメーション75周年を祝うため、2012年8月11日から12日にかけてカリフォルニア州アナハイムのディズニーランドホテルのボールルームで開催された。このイベントは、ディズニーの代表的な映画のアート、ストーリーテリング、音楽、声、想像力、革新を前例のない形で祝うものだった。

2013年

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D23 Expo 2013のエントランス

D23 Expoは、2013年8月9日から11日にかけて3回目の開催がアナハイム・コンベンション・センター（英語版）で行われた。ディズニーの関係者によると、来場者数はおよそ65,000人だったと推定されている[111]。ウォルト・ディズニー・スタジオは、『ウォルト・ディズニーの約束』『マレフィセント』『ザ・マペッツ2/ワールド・ツアー』『トゥモローランド』『マイティ・ソー/ダーク・ワールド』などの実写映画や、『アーロと少年』『アナと雪の女王』『モンスターズ・パーティ』『ミッキーのミニー救出大作戦』『ファインディング・ドリー』『インサイド・ヘッド』といったアニメ作品の独占公開を行った[112][113]。ルーカスフィルムは、パブロ・ヒダルゴ（英語版）が司会を務める「フォースの基礎講座：スター・ウォーズ・サーガ101」のパネルで初めてエキスポに登場した[114][115]。ウォルト・ディズニー・パークス＆リゾーツは、「アバター・ランド」、将来のスター・ウォーズ・アトラクション、ディズニー・マジックの「マーベルのアベンジャーズ・アカデミー」、ディズニー・スプリングス、上海ディズニーランドに関するパビリオンを展示した[116][117]。

D23 Expo Japan 2013

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最初のD23 Expo Japanは、2013年10月12日から14日にかけて、東京ディズニーリゾートの舞浜エリアで開催された。このエキスポでは、会社の90周年、東京ディズニーリゾートの30周年、ディズニー・チャンネルの10周年、ディズニー・モバイルの5周年、ディズニーJCBカードの5周年、Dlifeの1周年など、複数の周年記念を祝った[84]。これは、日本で初めて行われたディズニーファンのためのイベントだった。

2014年

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デスティネーションD：アトラクション・リワインド

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「デスティネーションD」イベントは、2014年11月22日から23日にかけて、ウォルト・ディズニー・ワールド・リゾート内のディズニー・コンテンポラリー・リゾート（英語版）で開催されました。

2015年

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第4回D23 Expoは、2015年8月14日から16日にかけて、カリフォルニア州アナハイムのアナハイム・コンベンション・センター（英語版）で開催された[118]。ピクサーとウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオは、『アーロと少年』『ファインディング・ドリー』『ズートピア』『モアナと伝説の海』『トイ・ストーリー4』『リメンバー・ミー』の初公開映像を発表した。マーベル・スタジオは、『シビル・ウォー/キャプテン・アメリカ』の映像と『ドクター・ストレンジ』のコンセプトアートを披露し、ルーカスフィルムは『スター・ウォーズ/フォースの覚醒』のプレビューを行った。ウォルト・ディズニー・ピクチャーズは、『アリス・イン・ワンダーランド/時間の旅』『ジャングル・ブック』『美女と野獣』『パイレーツ・オブ・カリビアン/最後の海賊』『ピートと秘密の友達』『ザ・ブリザード』『奇跡のチェックメイト - クイーン・オブ・カトゥエ（英語版）』を紹介した[119][120]。また、『インクレディブル・ファミリー』と『カーズ/クロスロード』のロゴも発表された[121][122]。

ディズニー・インタラクティブは、いくつかのビデオゲームに関するプレゼンテーションを行い、具体的には『スター・ウォーズ バトルフロント』『ディズニー インフィニティ3.0』『キングダム ハーツIII』が取り上げられた。プレゼンテーションには、新しいゲーム内映像、トレーラー、公開情報が含まれており、サプライズ発表や特別ゲストも登場した[123]。

ウォルト・ディズニー・スタジオのプレゼンテーションの締めくくりとして、ボブ・アイガーがディズニーランドとディズニー・ハリウッド・スタジオの両方に新しいスター・ウォーズをテーマにしたランドを開発中であることをサプライズ発表しました[124][125]。その他のプレゼンテーションには、ディズニー・シアトリカル・プロダクションズによるディズニー映画の舞台化を祝う「ディズニー・オン・ブロードウェイ: ザ・オリジナルズ」、『アナと雪の女王』の音楽を祝う「FROZEN FANdemonium – ミュージカル・セレブレーション！」、そして『トイ・ストーリー』の公開20周年記念が含まれていた。

D23 Expo Japan 2015

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第2回D23 Expo Japanは、2015年11月6日から8日にかけて東京ディズニーリゾートで開催された。

2016年

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デスティネーションD：アメージング・アドベンチャー

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「デスティネーションD」イベントは、2016年11月19日から20日にかけて、ウォルト・ディズニー・ワールド・リゾート内のディズニー・コンテンポラリー・リゾート（英語版）で開催された。

アナとエルサのフローズンジャーニー

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東京ディズニーシー
    • ファンタジースプリングス > Yuki0831/sandbox
    • 東京ディズニーシーのアトラクション > Yuki0831/sandbox
ポータル ディズニー
プロジェクト 東京ディズニーリゾート
アナとエルサのフローズンジャーニー
Anna and Elsa's Frozen Journey
アナとエルサのフローズンジャーニー
オープン日 2024年6月6日
スポンサー 大和ハウス工業株式会社
所要時間 約6分30秒
定員 1隻16名
利用制限 なし
ファストパス ○
シングルライダー 対象外

『アナとエルサのフローズンジャーニー』（Anna and Elsa's Frozen Journey）は、東京ディズニーシーのファンタジースプリングスにあるアトラクションである。類似のアトラクションに、「フローズン・エバー・アフター（Frozen Ever After）」がある。

概要

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待ち列

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ゲストは、「ファミリールーム」「温室」「プレイルーム」「図書室」と4つのエリアに分かれた施設内を進みながら、乗船場所に向かう。

「ファミリールーム」では、作品の劇中歌「生まれてはじめて」などに登場する部屋が再現されており、プレートアーマー（甲冑）や、幼い頃のアナとエルサの姿や、両親と描かれている肖像画など、様々なアイテムが飾られている。

「温室」では、多くの花が飾られているほか、霜と霧で覆われたガラス屋根が設置されており、その奥には、夕暮れの空と遠くに輝くオーロラが表現されている。

「プレイルーム」には、中央にアレンデール城の形をしたオルゴールが設置されており、劇中歌が流れる中、アナやオラフの人形が動く仕掛けが備わっている。

「図書室」では、作品の劇中歌「生まれてはじめて」などに登場する部屋が再現されており、多くの本が並ぶ本棚や、大きな暖炉が設置されている。

ストーリー

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アトラクション

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トロールの長であるパビーが2人の子供のトロールにアナのエルサの物語を語り始めると、ラベンダーの光を放つ魔法に包まれ物語が始まる。

幼いアナは雪だるまを一緒に作ろうと姉のエルサを誘うが、エルサは自らが魔法の力でアナを危険な目に合わせてしまったことを責め、部屋に閉じこもっていた。

その13年後、戴冠式の日を迎え、久しぶりに外界と接触できる特別な1日に心を躍らせるアナが登場する。一方で、自身の魔法の力を抑えることに苦労していたエルサは、不安を覚えていた。損なこととは露知らず、アナは、戴冠式の招待客のうちの一人である隣国の王子ハンスと出会って恋に落ち、船着場や灯台でダンスを踊っていた。しかし、その日のうちに結婚の約束までしてしまい、あまりにも早すぎる決断に2人の結婚にエルサは反対した。姉妹間の口論の結果、エルサは自身の魔法を暴発させてしまう。その場に居合わせた、アレンデール王国の隣国で、貿易相手であるウェーゼルトン公爵は恐怖を覚え、後ろ指を指していた。

エルサを連れ戻すため旅に出たアナは、道中で出会った山男のクリストフ、彼の相棒でトナカイのスヴェン、そしてエルサが作り出した魔法の雪だるまオラフとともにノースマウンテンへ向かう。ノースマウンテンのふもとに辿り着いたエルサは、ありのままに生きることを誓い、大きな氷の宮殿、アイスパレスを築いた。

エルサを見つけたアナは、魔法で国中が凍りついたことを告げ、冬を終わらせてほしいと頼むが、エルサは自分にはできないと魔法を暴走させアナの胸に氷のかけらを刺してしまう。王に成り上がる目的を果たすため態度が豹変したハンスは、エルサを死刑とするため剣を振り下ろそうとしたところ、アナはエルサを庇うと同時に身体は完全に凍りつき、ハンスの剣を砕いて彼を跳ね飛ばした。エルサは氷の彫像と化したアナを見て悲しみにくれた次の瞬間、凍りついたアナの身体が元に戻り、息を吹き返した。その様子を見ていたオラフは、その原因が「真実の愛」であることに気付く。エルサは、知ったエルサは、王国を覆っていた雪と氷を空へと昇華させ、凍らせた城の広場の地面でアナや国民たちとともに真夏のスケートを楽しんだ。

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